miércoles, 22 de noviembre de 2017

ALLAN HOLDSWORTH: EL HOMBRE QUE CAMBIÓ LA GUITARRA PARA SIEMPRE



Radio Jazznoend dedica su nuevo programa al guitarristas británico Allan Holdsworth, que nos dejó en el mes de abril de este año de 2017. Un infravalorado coloso del jazz-rock, no solo como compositor original y visionario sino también como prodigioso instrumentista, uno de los más grandes en  su instrumento, la guitarra eléctrica, cuyo inverosímil virtuosismo, asombró incluso a los mas grandes guitarristas de su generación. 


Aunque la carrera de Holdsworth se desarrollo a partir de finales de los años sesenta y en la década de los 70 del pasado siglo en diversas bandas del rock progresivo británico, como Soft Marchine, Gong o Bruford, nuestro programa se centrará de los registros discográficos efectuados con su propia banda, a partir de la década de los ochenta, ya instalado Holdsworth en Estados Unidos, hasta comienzos de siglo XXI. 


Este viaje nos llevará a disfrutar de algunos de sus temas más icónicos como Looking Glass o Tokyo Dream, en muchos de ellos, interpretando el Synthaxe, un complejo y efímero controlador midi, cuyas casi infinitas posibilidades, sedujeron a Holdsworth durante muchos años, impregnando sus temas de cualidades orquestales, de sorprendentes  texturas, de ambientes futuristas que transformaron su música de forma decisiva. 


También será una magnífica oportunidad de descubrir la extraordinaria calidad de algunos de sus colaboradores como los baterías Chad Wakerman, Gary Husband o Vinnie Colaiuta o el pianista Gordon Beck, entre muchos otros.


Nuestro viaje concluirá, como a menudo ocurre en Radio Jazznoend, escuchando a nuestro protagonista en los escenarios de Japón, en el año 1990, 

Descubre con nosotros a este extraordinario artista del que se ha dicho que cambió la guitarra para siempre. 


sábado, 4 de noviembre de 2017

VIAJE A LA FUSIÓN



El jazz necesitaba hollar nuevas sendas creativas después de la prematura muerte de Coltrane en el 67 y el punto de no retorno alcanzado por el free. El rock, por su parte, crecía exponencialmente en complejidad y ambiciones desde sus sencillos orígenes, impulsado por una entusiasta generación de grupos y músicos a finales de los 60. Y sucedió lo esperable, que determinados músicos de jazz empezaron a interesarse por la electricidad como instrumento de ilimitadas posibilidades expresivas. Con su habitual astucia, Miles Davis ejerció de catalizador de este nuevo movimiento denominado fusión, arrastrando con su enorme influencia a una pléyade de músicos de ambos universos musicales. Hasta el agotamiento de la fórmula, dicho movimiento produjo muchos discos excelentes, como los que te proponemos en este artículo firmado en perfecta armonía por todos los redactores de Jazz No End.

Y si después de leer nuestro trabajo os quedáis con ganas de más, os invitamos a escuchar el programa de Radio Jazznoend,  El jazz en la era psicodélica

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MILES DAVIS - Bitches Brew (1969)

Bitches Brew es el caldo primordial que contiene todos los elementos con los que se construiría la fusión: guitarras y teclados eléctricos, ritmos de rock, ambientes orientales, percusiones exóticas,  elementos latinos. De aquí surgirían el “Weather Report” de Wayne Shorter y Zawinul, el “Return to Forever” de Corea o la “Mahavishnu Orchestra” de John McLaughlin. El trompetista Miles Davis que compartió escenario con el mismísimo Charlie Parker, que abanderó el movimiento cool, que fue primera figura del hard bop al lado de Coltrane, que liberó el Jazz de ataduras con sus conjuntos de Jazz modal en los años 60, impulsa el Jazz hacia su última frontera. Grabado en 1.969, Bitches Brew es el inicio y origen de todo lo que fue y es la fusión. 





MAHAVISHNU ORCHESTRA - The Inner Mounting Flame (1971)

Empezó en grupos del Blues Boom británico (Alexis Korner, Graham Bond), dio el salto al jazz de vanguardia, sobrevoló el Atlántico para tocar en Lifetime (pionero trio eléctrico de jazz con Tony Williams y Larry Young), y participar activamente en las seminales grabaciones de Miles Davis ya comentadas (In a Silent Way y Bitches Brew). Al fundar la multiétnica Mahavishnu Orchestra, John McLaughlin alumbró el grupo mas influyente de la historia del jazz rock. Su poderoso disco debut es una buena muestra de cómo consiguieron fundir en un solo sonido  la urgencia espiritual de John Coltrane con la cruda energía de Jimi Hendrix. No puede faltar en ninguna colección de discos de fusión.




RETURN TO FOREVER - Return To Forever (1972)

La cara amable de la fusión post-Davis está representada por esta primera edición del conjunto  Return to Forever del año 1.972 con Corea, Joe Farell, Stanley Clarke y el percusionista Airto Moreira. Ritmos latinos y brasileños, hermosas y evocadoras melodías del pianista Chick Corea. Música esencialmente instrumental, presidida por la bella sonoridad del piano Fender Rhodes de Corea,  con un contrapunto vocal a cargo de la cantante brasileña Flora Purim, en el marco de la pureza cristalina del sonido ECM.




SOFT MACHINE - Fifth (1972)

Soft Machine, pioneros de la escena Canterbury, se hallan en este disco en plena fase de jazz de vanguardia, en una carrera marcada por constantes cambios de dirección (psicodelia, rock progresivo, jazz-rock, etc). Se trata de una obra hipnótica, repleta de atmósferas fascinantes, ritmos complejos, improvisaciones libres, que crece en ti despúes de varias audiciones. Con Elton Dean al saxo alto y soprano (un veterano de la escena jazzística londinense) y dos tremendos baterías como Phil Howard y John Marshall, la columna vertebral de la máquina blanda (Hugh Hopper y Mike Ratledge) prosigue su viaje hacia el infinito, dejando tras de sí un rastro de piedras preciosas para los que amamos el riesgo. Un disco de los que ya no se hacen.




EUMIR DEODATO - Prelude (1973)

Prelude, de lo más bello y calmo del jazz rock, fusión perfecta de éste y de los clásicos (Strauss, Borodin, Debussy), se añaden cuerdas y vientos y se logra un sonido plenamente reconocible y mil veces imitado. ¿Resultado?: Fantástico, Nº 1 en el Billboard, logra el Grammy y fué uno de los singles más vendidos. ¿Quién no enmudeció al oir por primera vez Así habló Zarathustra?. Eumir y sus excelentes músicos (Tropea, Carter, Cobham) se entregan exaltados al más sensual de los sonidos. Deodato y Tropea nunca tocaron mejor. Un remanso de belleza y quietud cuando el cerebro pide una tregua. Una joya. Así habló Deodato.




SANTANA - Lotus (1973)

Lotus es un cóctel maravilloso que mezcla con ardor temas de siempre con el especial momento que atraviesan Carlos y su New Santana Band (recién editado Wellcome). Un grupo excepcionalmente cohesionado para un Lp absolutamente imprescindible, no sólo del jazz rock sino de la música en general. Ardor latino, fiereza extrema en los solos, continuas persecuciones instrumentales y la guitarra de Carlos, que alcanza un altísimo nivel de intensidad en sus improvisaciones. La versión de Samba Pa Ti destruye la leyenda de la impasibilidad oriental y eleva el poderío sónico y la inverosímil fuerza del grupo hasta alturas prodigiosas. Aplastante.




RETURN TO FOREVER - Where Have I Known You Before? (1974)

Lo único que tiene en común esta edición de Return To Forever con la anteriormente comentada es el inagotable talento de Chick Corea, fundamental pianista y otro de los alumnos aventajados de Davis en esto de mezclar las saludables energías del rock con las aventuras improvisatorias del jazz. Los compañeros de viaje son excepcionales: Al Dimeola a la guitarra, Stanley Clarke al bajo eléctrico y Lenny White a la batería. Este disco, aunque menos famoso que “Romantic Warrior” (su gran éxito), es preferible aunque solo sea por los bellísimos interludios de piano acústico de Corea, que enlazan mágicamente los distintos temas hasta llegar a “Song To The Pharaoh Kings”, verdadero tour de force de una intensa y gratificante obra.




HERBIE HANCOCK - Headhunters (1974)

Ése bajo tremendamente funky, un saxo penetrante, incisivo, la percusión lacerante y un teclado omnipresente. Sí, es el Headhunter con toda su enorme potencia. Pilar básico del jazz rock, casi 30 años después aún impresiona su basta energía. Hancock aprendió mucho bajo la batuta de Miles Davis, y la fiereza de éste subsiste, intacta y aumentada, en temas como Chamaleon o su inmortal Watermelon Man. Improvisaciones, largos desarrollos instrumentales y los increíblemente agresivos sonidos de Herbie y Maupin, gran saxo, en un Lp a atesorar. Y logró el nº 1 en el Billboard, faltaría más. Sumérgete en sus turbias aguas. Si desconocías el jazz rock, nunca volverás a ser el mismo.




JACO PASTORIUS - Jaco Pastorius (1976)

Antes de irrumpir por sorpresa y sacudir los cimientos de Weather Report, Jaco Pastorius se permitió el lujo de grabar un impresionante disco debut donde, rodeado de excepcionales músicos como Herbie Hancock, Lenny White, Hubert Laws o el mismísimo Wayne Shorter, nos pasea con acierto por todas las vertientes de la fusión. Desde una meteórica transcripción al bajo eléctrico de los solos de Parker en Donna Lee, pasando por el soul con tintes funky de Come On, Come Over (con Sam &Dave ocupándose de la parte vocal), hasta los ambientes sofisticados y etéreos de Continuum, cada tema de este disco es una nueva y excitante aventura sonora que aúna comercialidad con riesgo e innovación.




BRAND X - Unorthodox Behaviour (1976)

Quizá a los puristas del jazz les resulte sorprendente, pero los amantes del rock progresivo clásico sabemos que Phil Collins era un excepcional batería antes de sucumbir a la insulsa comercialidad de su carrera como cantante pop. En Brand X hizo sus primeras armas al margen de Genesis como pionero de la escena jazz-rock británica, un grupo donde imperaba un concepto muy democrático y elegante de la improvisación colectiva, al servicio de una música con idiosincracia propia aunque deudora de bandas como Return to Forever o Weather Report. Este disco debut es el mas interesante de su discografía, donde Collins entre otros se acompaña de John Goodsall (Atomic Rooster) a la guitarra y Robin Lumley a los teclados. A reivindicar.




WEATHER REPORT - Heavy Weather (1977)

“Weather Report” llevó a cabo la colosal tarea de organizar y ordenar de forma coherente y exhaustiva el mensaje abstracto y, en cierta medida, caótico de “Bitches Brew”, la seminal grabación de Miles Davis. En esta grabación de 1.977, Jaco Pastorius ya se había incorporado al conjunto y su música llegaba a una sorprendente madurez. El grupo teje mil texturas y  ritmos. Pinta mil paisajes y diversos ambientes en los que se abrazan en armonía la electrónica de Zawinul con la frialdad acústica del saxo de Shorter, los inextricables juegos cromáticos de Pastorius, con la polirritmia multiétnica de Acuña y Badrena.

    


STEELY DAN - Aja  (1977)

La cumbre del elegante rock suave de Steely Dan. Aja es la sublimación de la búsqueda del sonido perfecto por parte de Becker y Fagen. Y entre otros invitados de lujo, 5 excepcionales: Carlton, Ritenour, Sample, Scott y Shorter, que hacen que Aja alcance una temperatura volcánica. Proliferación de solos y una mezcla inaudita de rock, blues y jazz, perfección y belleza extremas en voces, instrumentación y producción, un pop rock de altísimo octanaje. Y 2 temas para la eternidad, Aja y Deacon Blues. Cumbre expresiva de Steely Dan, llegaron tan lejos que no pudieron superarlo. De lujo. 




LEE RITENOUR - Rio (1979)

Antes sólo en el mercado japonés, que ama el jazz rock, Río es, sin duda, uno de sus mejores Lp‘s. 3 bandas distintas y 3 ciudades distintas no perjudican en absoluto su coherencia, aunque los mejores temas ¿lo adivinas? se grabaron en... Río, claro. Totalmente guiado por la sin par guitarra de Lee y excelsamente acompañado por algunos de los mejores músicos de estudio del mundo, Lee ofrece un conseguido acercamiento al corazón más profundo del Brasil musical visto a través de su guitarra, y aunque sólo un tema lo compuso un brasileño, su extrema belleza no se resiente por ello. Paradisíaco, sí...., es el trópico.




BOB JAMES & EARL KLUGH - One On One (1979)

Fascinante. 2 genios que nacieron para trabajar juntos... y grabar éste Lp. Kari, el tema de inicio ya vale por todo el Lp. Un piano y una guitarra en tan perfecta armonía que no debieron separarse. La cara amable de la fusión, música hermosa, cálida como el mejor verano. Oir éste Lp produce adicción: de belleza, de serenidad, de lugares recónditos en tu mente y en tus recuerdos, lugares hermosos, gentiles. Y las cuerdas y los vientos no son un adorno, compruébalo en The After Glow. James y Earl exprimen toda su versatilidad y recursos expresivos, y su sonido es aterciopelado, romanticismo en erupción. ¡Y tocan Eric Gale, Ron Carter...!. Para soñar.




GEORGE DUKE - Brazilian Love Affair (1979)

En el año 1.979 el pianista George Duke, desembarca en Rio de Janeiro, armado con todo tipo de artefactos electrónicos, para producir un disco de inesperada frescura que  fusiona, con acierto y buen gusto, ritmos y sonoridades nacidas del rock y la música funk, con las sensuales armonías y batidas rítmicas propias de la música popular brasileña. Músicos como Milton Nascimento, Simone, Flora Purim o Toninho Horta, contribuyen notablemente al feliz resultado de la grabación.




JOHN McLAUGHLIN - Electric Guitarist (1978)

Pasados los tumultuosos tiempos de Mahavishnu Orchestra y Shakti, el guitarrista de Yorkshire edita un disco de madurez en solitario que, en perspectiva, se revela como un perfecto resumen de su carrera hasta ese momento. Es una reunión de viejos camaradas donde podemos escuchar ecos de Mahavishnu (Jerry Goodman y Billy Cobham en “New York On My Mind”), recordar sus grabaciones con Santana (“Friendship”) o volver a los tiempos de Lifetime (Tony Williams y Jack Bruce en “Are you The One?”). También está el McLaughlin extraordinario de los solos electroacústicos (“My Foolish Heart”), y el jazzman implacable, con Chick Corea en un “Do You Hear The Voices...” basado en la secuencia de acordes de Giant Steps.




GROVER WASHINGTON JR - Winelight (1980)

Un álbum tan bello y elegante como su portada. Espléndido muestrario de lo que debe ser el saxo en la fusión: dominio absoluto del instrumento, lirismo desmedido, sonoridad cristalina, un Grover en un momento dulce, de gracia, pianos íntimos, un saxo suave como una brisa nocturna y temas que obligan al cese de toda actividad y perderse en hermosas ensoñaciones. Oir In The Name Of Love o Take Me There debería estar subvencionado por el Colegio de Médicos, y Make Me A Memory es uno de los temas más bellos jamás grabados con un saxo. Tan cadencioso como sensual, es uno de los Lp‘s más románticos y evocadores que puedas oir. ¡Y Nº 1 en el Billboard!. Ineludible.




PAT METHENY - Still Life (1987)

Cabalgando en la frontera entre la música folk, el new age o el jazz, la música de Still Life,  atmosférica, sutil y ensoñadora, es de difícil catalogación. Piezas clave del álbum son la maestría y complicidad del teclista Lyle Mays, inseparable compañero de Metheny durante muchos años y los coros a cargo de Armando Marcal, David Blamires y Mark Ledford, que tejen un lecho musical de onírica e irreal belleza. Tras un fructífero período bajo contrato con ECM Records, Metheny comienza una nueva carrera con su Grupo, con el que demostrará a lo largo de los años, la capacidad evocadora, casi cinematográfica, de su música, su versatilidad y su prodigiosa técnica en todas las modalidades de guitarra, cualidades que le sitúan  hoy en día, como uno de los más grandes de su instrumento en todas las épocas y estilos.





ALAN HOLDSWORTH - Secrets (1989)

Tras muchos años aportando su genio a los más variados grupos del rock progresivo y jazz rock británicos de los setenta, e incluso al mítico grupo de jazz fusión de Tony Williams, Lifetime, Allan Holdsworth emprende a principios de la década de los ochenta del pasado siglo, una carrera en solitario que le llevaría a grabar hasta doce álbumes en poco más de veinte años, aparte de varios directos y múltiples colaboraciones. Un patrimonio musical verdaderamente exquisito, que es objeto de veneración por los aficionados más expertos. A través de estos registros, Holdsworth se desvela como un coloso del género como compositor y virtuoso insuperable, capaz de desenvolverse con la mayor naturalidad por las más sinuosas secuencias armónicas a velocidades vertiginosas, sin perder ni un ápice de inspiración y sensibilidad. Con razón John McLaughlin lo calificó como un extraterrestre de la guitarra y ha sido definido como el hombre que cambió la guitarra para siempre. Secrets es una de tantas muestras de su apasionante, aunque a menudo ignorada, propuesta de jazz fusión. Al lado de este genio de la guitarra eléctrica, otros grandes músicos del género entre los que brilla con luz propia el bateria Vinnie Colaiuta.




TONINHO HORTA - Moonstone (1989)

Guitarrista muy en la onda de los mejores Earl Klugh o Lee Ritenour, Tonino crea, en Moonstone, un profundo entramado de sonoridades que llevan la fusión a un plano superior. Naturalidad extrema en música y arreglos, temas de rara perfección y sonido inconfundible, único. La presencia de monstruos como Eliane Elías, R. Brecker, R. Ferrante o Pat Metheny certifican la excelencia de un Lp legendario. Sus duelos con Pat Metheny en “Moonstone” son momentos mágicos, indescriptibles, para atesorar y oir mil veces. Sus temas, de belleza estremecedora, son tan íntimos que erizan la piel. La síntesis de lo que debería ser la fusión.



TRIBAL TECH - Tribal Tech (1993)

Pese a un cierto mimetismo con las formas musicales de Weather Report, especialmente en las composiciones de Joe Zawinul o la forma de tocar de Jaco Pastorius, la de Tribal Tech es una de las propuestas sonoras mas interesantes surgidas en el seno de la fusión en los años 80. La marca de fábrica es en este caso la presencia de un sólido guitarrista como Scott Henderson, digno heredero de la portentosa técnica y enérgico ataque de luminarias del instrumento como DiMeola, Holdsworth o el mismo McLaughlin. En este disco combinan certeramente el carácter improvisatorio y cerebral de sus primeras obras con unas estructuras mas orientadas a la melodía. Una excelente y accesible introducción a su música. 




AL JARREAU - Tenderness (1994)

Magia es el término que mejor describe esta grabación de Jarreau. El cantante, en estado de gracia, recorre un repertorio original y variado que nos traslada desde los ritmos brasileños de “Mas que Nada”, hasta el “She´s Leaving Home” de Lennon y McCartney, estándares como “Summertime”, alguno de sus éxitos pasados, como la deliciosa “We Got By”, o nuevas melodías como la emocionante “Wait for the Magic”.  Joe Sample, David Sanborn, Kenny Garrett, Michael Brecker, Steve Gadd y Eric Gale son algunos de los compañeros de escenario en este registro único en la discografía de Jarreau.