sábado, 10 de diciembre de 2016

RADIO JAZZNOEND - LA POESÍA DEL JAZZ: THELONIOUS MONK


Animados por el éxito de nuestra primera velada literario-musical, en la que la música del pianista Bill Evans era protagonista y banda sonora para la poesía de nuestro amigo Mariano Moreno, Radio Jazznoend, un año después de aquella primera experiencia, emite un nuevo especial de nuestra serie La Poesía del Jazz. Para esta ocasión, nuestro poeta de cabecera, confrontará su poesía con la música cerebral y laberíntica del pianista Thelonious Monk. En nuestro nuevo programa, dejamos atrás el lirismo desbocado de Bill Evans para adentrarnos en los complejos vericuetos musicales  de una de las personalidades más complejas y controvertidas de la historia del Jazz. Una propuesta diferente que queremos compartir con todos vosotros, amigos de Jazz No End.  




domingo, 27 de noviembre de 2016

RADIO JAZZNOEND. MARK MURPHY: STOLEN MOMENTS


Los estudios de Radio Jazznoend, se iluminan a media luz para vivir una íntima velada dedicada a la música intensa y pasional del cantante Mark Murphy, que nos dejó hace algo más de un año. Durante nuestro programa os ofreceremos una amplia panorámica de la obra de Murphy en todas sus facetas, muy centrada en las grabaciones efectuadas en el otoño de su vida y su carrera, cuando su voz y su estilo habían adquirido su plena y gloriosa madurez. 


El programa comenzará con la audición del tema Stolen Moments, cuya grabación en el año 1978, supuso uno de los grandes éxitos de la carrera del cantante. A partir de ahí escucharemos al cantante como uno de los grandes representantes del estilo vocalese en el ámbito del bebop y el post-bop, vibraremos con su dominio del scat en alguna de sus interpretaciones, pero sobre todo, nos emocionaremos con su maestría en el arte de la balada. Finalizaremos con el tema But Beautiful de su última grabación, A Beautiful Friendship.

Disfrutad con nosotros de esta noche de jazz, con esos momentos robados de emoción y buena música, en compañía de uno de los más grandes vocalistas de la segunda mitad del siglo XX, que siempre nos deja con ese agridulce sabor de aquello que es triste... pero hermoso.



Y si todavía no has tenido suficiente de este extraordinario artista os dejamos con uno de nuestros últimos vídeos de Youtube. Mark Murphy intepretando ese bellísimo tema que compuso el pianista James Williams. You're My Alter Ego...


lunes, 3 de octubre de 2016

RADIO JAZZNOEND - CHARLES MINGUS: UN AUTORRETRATO EN TRES COLORES


En este nuevo programa, Radio Jazznoend os aproxima a la figura del bajista y compositor Charles Mingus, uno de los grandes genios de la historia del jazz y también una de sus personalidades más controvertidas. Rebelde e inconformista. Su música es la expresión directa de su carácter y de sus ideas heterodoxas e iconoclastas. Mingus desarrolló a lo largo de su carrera, un concepto musical novedoso y revolucionario que en este nuevo programa, vamos a mostraros a través de sus más relevantes manifestaciones.

Os invitamos a sumergiros en el sorprendente universo musical de Charles Mingus.

Escucha nuestro programa, Charles Mingus: Un autorretrato en tres colores




martes, 27 de septiembre de 2016

CHARLES MINGUS: AH UM



Charles Mingus está en el punto de mira de Radio Jazznoend. Su música compleja, osada y comprometida, siempre nos ha fascinado. Y tal vez las portentosas cualidades de Mingus como compositor y arreglista, encontraron su máxima expresión en el álbum Ah Um, Un sorprendente collage musical, un viaje cargado de swing que nos lleva desde los mismísimos albores de esta música que llamamos jazz, hasta un futuro que, aún hoy en día, ningún otro músico ha alcanzado. De toda esta música y mucho más, podréis disfrutar en nuestro próximo programa, pero, para ir haciendo boca, recuperamos hoy la reseña que de este seminal registro, escribió hace años nuestro buen amigo Coltrane...

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Un muy buen año para Charles Mingus y para todos sus seguidores. En 1959 grabó otras dos obras maestras como "Blues And Roots" (para Atlantic) y "Mingus Dinasty", también para Columbia.  En este disco, generalmente considerado como su obra mas equilibrada y perfecta, Mingus utiliza como instrumento para la exposición de sus teorías musicales un plantel excepcional de músicos, todos ellos fieles seguidores de su particular religión.

Lo primero que el aficionado nota en esta y otras grabaciones clásicas del Mingus de los 50 es el férreo y probablemente dictatorial control del Mingus lider sobre el discurso musical de los miembros del grupo. Ello era necesario porque en el genio creador de Mingus ya convivían plenamente dos conceptos contrapuestos (libertad y control) que proporcionaban a su música ese aliento puramente jazzístico pero de una perfección formal inmaculada y cristalina. Por este método Mingus extrae lo mejor de los músicos de la sesión. Nunca Horace Parlan ha tocado tan bien, tan en su sitio, dotando a los distintos temas de una base armónica tan sutil como efectiva. Tanto Booker Ervin ( Goodbye Pork Pie Hat) como John Handy ( Open Letter to Duke) proporcionan los mejores solos de su competente historial en los espacios que los arreglos de Mingus dejan a la necesaria improvisación de los instrumentos solistas. Por su parte, Shafi Hadi evoca eficazmente a Parker en Bird Calls, y los trombonistas Dennis y Knepper ejercen una función eminentemente contrapuntística pero sin perder protagonismo como lo demuestran en Jelly Roll, proporcionando esas referencias al jazz antiguo tan necesarias en un homenaje al pianista de ragtime J.R. Morton.
Hablando de homenajes, en este disco todo lo es. Aparte del mencionado Morton, tenemos a Ellington y Johnny Hodges en Open Letter to Duke, Parker y el be-bop en Bird Calls, Lester Young en Goodbye Pork Pie Hat y, por que no, Mingus en Self Portrait in Three Colors. También homenaje pero paródico y corrosivo en Fables Of Faubus, dedicado con afecto a Orval Faubus, gobernador racista de Arkansas. No conocemos testimonios gráficos de tan singular personaje, pero el tema de Mingus tiene una fuerza descriptiva portentosa, retratando a un ser profundamente repugnante y ridículo.


Por último resaltemos dos hechos más: la presencia de un batería excelso como Dannie Richmond, el mas fiel de los Mingusianos. Y la atonalidad, un factor de decisiva importancia en posteriores obras de Mingus cuya casi total ausencia en esta grabación la configura como una de las obras más accesibles del maestro.

Un inmejorable lugar por donde empezar a amar su inmortal música.

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Personal: Charles Mingus (contrabajo), Booker Ervin, John Handy, Shafi Hadi (saxos), Willie Dennis, Jimmy Knepper (trombones), Horace Parlan (piano), Dannie Richmond (batería)

Temas: Better Git Hit in your Soul - Goodbye Pork Pie Hat - Boogie Stop Shuffle - Self Portrait in Three Colors - Open Letter to Duke - Bird Calls - Fables of Faubus - Pussy Cat Dues - Jelly Roll.

Grabado en Nueva York,  5-5-1959 al 12-5-1959
COLUMBIA JAZZ

lunes, 12 de septiembre de 2016

DOUG RANEY - CUTTIN' LOOSE


En Jazz No End, recordamos al guitarrista Doug Raney, que nos dejó hace algunos meses. Uno de esos héroes anónimos, que, sin glorias ni trofeos, atravesaron las largas noches de la gran era jazzística, dejando en el camino un reguero de música tan extraordinaria que, de alguna manera, cambio nuestras propias vidas. Drogadicto, fumador, alcohólico, tales son las vidas de nuestros héroes, de nuestros eternos compañeros de viaje... Y nada mejor para evocar la figura de este gran artista que recuperar la reseña que hace algunos años dedicábamos a un álbum verdaderamente excepcional,  Cuttin' Loose... 

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Que Doug Raney sea  hijo  de Jimmy Raney,  - el rey de la guitarra cool -  no es, en principio, un acontecimiento extraordinario, pues siendo su padre un maestro de la guitarra eléctrica, su hijo bien podría haber demostrado su maestría en cualquier otro campo de la actividad humana. Sin embargo Doug ha heredado una gran parte de las cualidades de su progenitor: una sonoridad limpia y fría, una notable técnica sabiamente administrada, sin ningún tipo de tentación atlética y, por encima de todo ello, elegancia y buen gusto. Así, de su Gibson - la guitarra del Jazz por excelencia - surge un feeling sofisticado, a caballo entre el cool y el hard bop,  que nos aproxima verdaderamente a la esencia de lo que es la guitarra en el Jazz moderno. Pero para conocer  a Jimmy Raney, nada mejor que escuchar los discos de Jimmy Raney. Por ello es importante decir que su hijo Doug, posee un personalidad propia, un sonido y sobre todo un fraseo que lo distinguen claramente de su padre, lo que se pone de relieve en los magníficos álbumes que ambos han grabado a dúo, y que lejos de ser una batalla o un tour de force, son una lección de humildad, sencillez y sabiduría musical.  

Doug Raney recorre en este álbum de SteepleChase un repertorio compuesto de standards como How Deep Is The Ocean o You Don´t Know What Love Is, o  el cásico bopper Four y dos originales de Horace Parlan,  Arrival y Frankly Speaking, brillando con especial intensidad en el tema Lean Years, un himno para los tiempos difíciles, del que es autor otro maldito de la historia del jazz, tal vez nuestro guitarrista favorito, Pat Martino

Acompañan a Raney el pianista Horace Parlan que a partir de sus limitaciones físicas ha construido un estilo brillante y peculiar. Al saxo y flauta su inseparable compañero, Bert Rosengren, a la batería el eficiente Billy Hart y al bajo, el incombustible NHOP. Y como aliño de este sabroso guiso, el inconfundible ambiente de los registros de SteepleChase, que nos transmiten la añorada sensación de algo improvisado, espontáneo, lleno de frescura y sinceridad.  

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Personal: Doug Raney (guitarra) - Bert rosengren (saxo tenor y flauta) - Horace Parlan (piano) - Niels-Henning Orsted Pedersen (bajo) - Billy Hart (batería).

Temas: Lean Years - How deep is the ocean - Arrival - If you could see me now - Frankly speaking - You don´t know what love is - Four

Grabado el 17 de Agosto de 1.978
SteepleChase records



martes, 30 de agosto de 2016

RADIO JAZZNOEND - FREDDIE HUBBARD: ONE OF ANOTHER KIND


La imponente trompeta de Freddie Hubbard iluminó con su energía, con su indómita fiereza, las últimas décadas de la gran era jazzística, desde sus primeros álbumes en la discográfica Blue Note en la década de los 60, hasta la fatal lesión en su labio en el año 1992, que le apartó progresivamente de los escenarios hasta su muerte en 2008, pasando por sus grandes éxitos comerciales en las discográficas CTI y Columbia en los 70.  Músico de portentosa técnica, inspirado compositor, un soberbio improvisador de planteamientos progresivos y aventurados, referencia para varias generaciones de trompetistas. En este nuevo podcast, Radio Jazznoend, rinde homenaje a tan destacado artista, y tal y como proponíamos el pasado año con el trompetista Woody Shaw, lo haremos a través de sus mejores directos. Freddie Hubbard en los escenarios del mundo entero. Un verdadero espectáculo que no deberías perderte.


martes, 23 de agosto de 2016

HARD TO SAY GOODBYE. ADIOS A TOOTS THIELEMANS


En el día de ayer nos dejaba el armonicista belga Toots Thielemans a la edad de 94 años. Un hombre entrañable, querido por los aficionados y por sus compañeros de profesión. Padre y maestro de la armónica en el jazz moderno. Trabajó al lado de otros grandes artistas del jazz y de la música del siglo XX como el pianista Bill Evans, Quincy Jones  Elis Regina o Jaco Pastorius. Fue también una referencia en el ámbito de la fusión del jazz con la música brasileña. Sus ábumes Brasil Project I y II, son registros de especial trascendencia en este estilo. Virtuoso, elegante improvisador, romántico... Los calificativos se agotan a la hora de evocar la figura de este gran artista. 

Apenas hace algunas semanas, Radio Jazznoend, dedicaba su podcast mensual a este tan querido personaje que ahora nos dice adiós. Os invitamos a escucharlo de nuevo...

sábado, 9 de julio de 2016

RADIO JAZZNOEND - FRANCIS ALBERT SINATRA - ANTONIO CARLOS JOBIM


Hace algunos días publicábamos un amplio artículo dedicado a las históricas grabaciones efectuadas por el cantante Frank Sinatra y el compositor brasileño Antonio Carlos Jobim para la discográfica Reprise en los años 1967 y 1969.

Radio Jazznoend, toma el relevo en esta anticipada celebración del 50º aniversario de estos registros, que se producirá en el mes de enero del próximo año y en nuestro nuevo podcast, recorremos algunas de las más interesantes anécdotas de aquel encuentro y escuchamos una generosa selección de los temas grabados por ambos artistas. Bossa Nova en estado puro para refrescar las calurosas noches estivales, de la mano de dos figuras irrepetibles de la música del siglo XX. 



martes, 21 de junio de 2016

XIMO TÉBAR - SOLEO


Si algo distingue a los grandes artistas es su capacidad de evolucionar, de reinventarse a cada momento. El inconformismo es la cuna del genio en toda manifestación artística. A Ximo Tébar le conocimos hace "algunos años" en el legendario Perdido Club de Jazz de Valencia. Era entonces un músico prometedor que mostraba en su música la influencia de los grandes clásicos de la guitarra del jazz moderno. Hoy celebra el 25º aniversario de su concepto "Son Mediterraneo" y lo hace mostrando el fruto de esa larga evolución que le ha transformado en uno de los más originales representantes de la guitarra del jazz contemporaneo.

Soleo es su nuevo disco. Una propuesta refrescante y original.  Puro mestizaje nacido de la sabiduría adquirida en un largo viaje vital y musical, en el que Ximo ha desarrollado una voz personal, un estilo como intérprete y compositor que, sin ser revolucionario, resulta singular e innovador. Se trata de un viaje amable y sin tropiezos en el que descubrimos reminiscencias árabes, flamenco, ritmos brasileños, algo de soul y mucho jazz. Un estilo que se ha definido como Jazz Mediterraneo. Una acertada denominación que nos habla de frescura, de luz y de ambientes evocadores.

Y al lado de Ximo, en este nuevo disco, acompañantes de primera clase. Gente como el pianista norteamericano Orrin Evans o Santi Navalon en los teclados, John Benitez al bajo, Donald Edwards en la batería, Ramon Cardo a los saxos o el pianista Ricardo Belda como artista invitado en el último tema del álbum, Son Mediterraneo. Un conjunto que se integra a la perfección en el espíritu del proyecto y que garantiza al guitarrista un respaldo de gran nivel técnico y artistico.

Soleo es un punto y seguido en la carrera de Ximo Tebar, es un trabajo ambicioso e interesante, técnicamente impecable,  pero sobre todo, es una experiencia musical deliciosa que desde Jazz No End, te invitamos a disfrutar.

martes, 14 de junio de 2016

FRANCIS ALBERT SINATRA Y ANTONIO CARLOS JOBIM: CAMINOS CRUZADOS



En el año 1967 Antonio Carlos Jobim y Francis Albert Sinatra, se reúnen en un estudio de grabación de Los Angeles para escribir una de las obras maestras de la música del siglo XX. Ésta es la crónica de aquel encuentro. Es un largo artículo, inadecuado para un blog, lo sé. Pero te invito a leerlo con calma, mientras escuchas su música inmortal, tal vez en la buena compañía de una copa de Jack Daniels con hielo. Sinatra lo hubiera querido así...

SUCEDEU ASSIM

Corre el año 1966, cae la tarde en la playa de Ipanema, en Rio de Janeiro. En el Bar Veloso, el compositor brasileño Antonio Carlos Jobim toma una copa con algunos amigos. Desde hace algunos años, este genio carioca vive a caballo entre Estados Unidos, donde desarrolla una pujante carrera musical y su ciudad natal, Rio de Janeiro.


La música de Jobim y en general la bossa nova brasileña que ha nacido apenas cinco años atrás en las playas cariocas, ha causado furor en el mundo entero. Decenas de músicos de jazz, han incorporado a su repertorio las melodías brasileñas. En concreto, el saxofonista Stan Getz, se ha convertido en el abanderado del movimiento en Estados Unidos con sus discos grabados para Verve y producidos por Creed Taylor. El álbum Getz-Gilberto, registrado en el año 1963 y en el que el propio Jobim ha jugado un papel decisivo, ha obtenido un rotundo éxito y se ha aupado durante meses a los primeros puestos de las listas de éxitos. Ahora, en el año 1966, la marea de la bossa nova, parece comenzar su retroceso, pero ni mucho menos ha remitido. Sus ecos todavía resuenan en las salas de baile del todo el orbe, en las emisoras de radio, en los estudios de grabación. La bossa nova sigue  presente. Incluso algunos de los nuevos artistas de la segunda oleada de la bossa nova, como Marcos Valle, intentan por aquellos entonces abrirse camino en el mercado norteamericano. En cualquier caso los discos de Jobim, siguen siendo un éxito porque su música está destinada a trascender de la pura bossa nova, para convertirse en un fenómeno musical intemporal que le convertirá, a la postre, en un mito de la música del siglo XX y en un artista querido y respetado por el público norteamericano, hasta el fin de sus días.


Pero aquella tarde en el Bar Veloso, esas páginas de la historia todavía no se han escrito y el futuro de Jobim aún es incierto. Algunos éxitos, le han hecho popular en el mercado americano, pero hay que seguir luchando y abríendose camino en aquella selva impenetrable.

El teléfono suena y un camarero lo atiende. Un gringo pregunta por el Sr. Jobim. El músico, incrédulo e intuyendo alguna broma, coge el auricular, pero la voz que escucha y el inconfundible sonido de la conferencia internacional despeja cualquier duda. Es Frank Sinatra, en persona. La más grande personalidad de la música y del cine norteamericano de la época, está al otro lado del auricular. Como si se conocieran de toda la vida, le cuenta que  ha llamado a su casa, y que le habían dado el teléfono del bar Veloso. Sin andarse por las ramas, le dice que quiere grabar un disco con él. Le pregunta si está dispuesto a viajar a Los Angeles para comenzar los preparativos del proyecto. Que él corre con todos los gastos. Jobim, atónito, solo acierta a decir: Por supuesto, a tus órdenes...


Sinatra también pregunta a Jobim si le acompañará a la guitarra en la grabación. Eterna condena del músico carioca. El público norteamericano asocia la imagen de latin lover de Jobim, con la guitarra y lo bien cierto es que, desde niño, es un pianista. Con el piano lleva muchos años ganándose la vida. Y aunque también es capaz de tocar la guitarra de forma competente, lo bien cierto es que cualquier otro lo haría mejor. Pero la verdad es que ya ha tocado la guitarra en otras grabaciones anteriores y todavía lo hará en algunas que están por venir, así que, a la pregunta de Sinatra, Jobim contesta, que él es un pianista, pero que le acompañará a la guitarra. No se le puede decir que no a Sinatra.

Jobim cuelga el teléfono y cuando cuenta los sucedido a sus expectantes amigos, no se lo pueden creer. Sinatra, La Voz. Un hombre que lleva décadas triunfando en el mercado musical y cinematográfico norteamericano y por ende, del mundo entero. Una personalidad envuelta en la leyenda y en el glamour. Un hombre respetado, temido y adorado, llamando por teléfono al Bar Veloso.  

En aquel momento de entusiasmo y sorpresa, tal vez Jobim no puede comprender las implicaciones de aquella llamada. Que el propio Frank Sinatra esté dispuesto a compartir un disco entero con el artista brasileño, un nombre al lado del otro en su portada, significa que Jobim pisa firme en el mercado norteamericano. Es cierto que las melodías del maestro son las favoritas del público. Las canciones de otros compositores como Roberto Menescal, Carlos Lyra o Luiz Bonfá, son también apreciadas, pero las de Jobim juegan en otra liga.

El tema Desafinado, compuesto por Jobim y su parceiro Newton Mendonça, puede ser considerado el primer gran éxito de la bossa nova en Norteamérica, gracias al álbum Jazz Samba, grabado por el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz, en 1962. Y ello por no hablar de otras canciones como Chega de Saudade, Samba de Uma Nota Só, Corcovado y por supuesto el gran hit del álbum Getz-Gilberto, Garota de Ipanema, The Girl From Ipanema, en su versión anglosajona. Todas ellas, melodías encantadoras que seducen a los oyentes con aquella irresistible atmósfera romántica y tropical.

LA PRIMERA VEZ

No hay tiempo que perder. Sinatra ha mandado llamar a Antonio Carlos Jobim y hay que hacer las maletas de inmediato. A principios del mes de enero de 1967, Jobim aterriza en Miami y pronto sigue camino a Los Angeles para comenzar los preparativos. A pesar de la inapelable autoridad de Sinatra, el compositor brasileño, consigue arrancarle dos concesiones que él considera indispensables para el buen fin de la grabación:

En primer lugar, el arreglista de la sesión debe ser el alemán, afincado en Estados Unidos, Claus Ogerman. Ogerman es la elección lógica para Jobim. Cuando  el maestro en 1963, recibe la oferta de grabar su primer álbum en Estados Unidos, recurre al productor de Verve, Creed Taylor, pidiéndole consejo para encontrar un buen arreglista para sus canciones. Taylor recomendó a Ogerman, aunque Jobim quedó espantado al saber que era alemán: Va a convertir mi música en una marcha de banda prusiana, comenta humorísticamente el compositor. Los temores son infundados, porque Ogerman supo comprender y expresar en sus arreglos, como ningún otro, antes o después, la naturaleza intemporal de la música de Jobim, arropándola en un aura de sutileza y elegancia casi irreales, contribuyendo de forma decisiva a crear aquella deliciosa sonoridad de los álbumes americanos de Jobim. El resultado es el álbum de 1963, The Composer of Desafinado Plays. El disco es un éxito y el compositor queda encantado con los arreglos de alemán. Para su segundo disco americano, The Wonderful World of Antonio Carlos Jobim, de 1964, la discográfica Warner pone a su disposición nada menos que a Nelson Riddle, el arreglista favorito del propio Sinatra. Los arreglos son buenos, pero no agradan del mismo modo a Jobim, que los encuentra demasiado cálidos, con excesiva presencia de metales. Es el estilo swingueante que tan bien funciona en los álbumes de Sinatra y otros artistas americanos, pero que no acaba de encajar con la delicada música de Jobim. Así que, para su segundo álbum para Warner, A Certain Mr. Jobim, el arreglista vuelve a ser Ogerman, que se convirtió en un buen amigo de Jobim y en su arreglista de referencia.



Ahora llega la hora de la verdad, un álbum con Sinatra, pero no será ésta la última vez que trabajarán juntos. Poco tiempo después Ogerman se encarga de las partituras del álbum Wave de 1967, producido también por Creed Taylor y finalmente también se hace cargo de la batuta en el disco doble, Terra Brasilis en el año 1981, que se puede considerar, de algún modo, como una suerte de despedida de Jobim de su etapa estadounidense. De esta forma, Ogerman, queda vinculado, no sólo a a la música de Jobim, sino en general a la música brasileña, arreglando también el álbum de Joao Gilberto, Amoroso en el año 1976 e incluso, en fechas tan recientes como el año 2009,  el disco de Diana Krall, Quiet Nights.


Claus Ogerman se encuentra entonces en Nueva York y más que dispuesto a incorporarse al proyecto, así que poco después viaja a Los Angeles y trabaja con Jobim en las habitaciones del Beverly Hills Hotel.


La segunda reivindicación del maestro carioca, tiene que ver con un elemento tan sustancial en la música brasileña como es el ritmo. La batida rítmica de la bossa nova es algo nuevo y delicado que por aquellos entonces sólo dominan los percusionistas brasileños. Un ritmo sutil, una evolución ligera del ritmo del samba brasileño, que se combina armoniosamente con la propia batida de la guitarra desarrollada por Joao Gilberto. Para comprender la relevancia de los aspectos rítmicos en este nuevo estilo musical, basta comparar el primer gran álbum de bossa nova grabado en Estados Unidos, el mítico Jazz Samba en el que el guitarrista Charlie Byrd y Stan Getz con una rítmica totalmente americana, presentan al público estadounidense, las maravillas de las melodías de la bossa nova. En aquella época, el álbum fue un rotundo éxito, aún cuando la rítmica, intentaba emular sin demasiado éxito, la delicada urdimbre del ritmo brasileño. Cuando el propio Stan Getz, grababa apenas un año después, el mítico Getz-Gilberto, la rítmica de Joao Gilberto a la guitarra y de Milton Banana a la batería, ponía las cosas en su sitio. Eso era bossa nova...

Por eso Jobim, teme que un batería norteamericano, totalmente competente en el ámbito del jazz o de la música pop, pueda arruinar su música, con espurios ritmos latinos. Así que reclama la presencia del batería Dom Um Romao, que por aquellos entonces vivía en Estados Unidos, apovechando el boom del movimiento bossa nova. Jobim le manda llamar desde Chicago y el batería acude presuroso llegando justo a tiempo para la grabación.  Romao garantiza para Jobim el pleno respeto a los esenciales aspectos rítmicos de su música y en general, de la bossa nova.


Pero sigamos nuestro relato donde lo habíamos dejado. Jobim se encuentra nuevamente en Estados Unidos, pero no puede contactar con Sinatra que pasa algunos días de descanso en Barbados. No obstante el cantante ha dejando instrucciónes de que se traslade a Jobim a Los Angeles donde se alojará, junto a Claus Ogerman, en el Beverly Hills Hotel. La discográfica Reprise, corre con todos los gastos.

Algunos días después la primera reunión entre ambos artistas, se produce en la sede de Reprise Records, la discográfica que el propio Sinatra había fundado a principios de los '60 y que ahora esta en poder de Warner, a la que el cantante ha vendido la empresa junto con todo su emporio de Las Vegas. En cuanto al repertorio, tras un cierto tira y afloja, queda establecido que se compondrá de siete temas de Antonio Carlos Jobim, los mas conocidos y populares para el público norteamericano y otros tres temas, del songbook americano, adaptados al ritmo bossa nova.

EN EL ESTUDIO

Dia 30 de enero de 1967, Werner Western Sound Studios de Los Angeles. Prohibido el paso a cualquier persona ajena a la grabación. A pesar de estas medidas tan restrictivas, el productor brasileño Aloysio de Oliveira, consigue un salvoconducto para él mismo y para Tereza la esposa de Jobim, que acceden al Sancta Sanctorum.

En la cabina de grabación se encuentra el productor de Sinatra, Sonny Burke, así como el co-productor Ray Gilbert, amigo de Jobim y responsable  de  de la adaptación al ingles de algunas de sus canciones. Otras ya habían sido adaptadas con anterioridad por Norman Gimbel o por Gene Lees, también presente en el estudio de grabación y algo desilusionado porque el tema Desafinado, de cuya letra inglesa era el autor, se había caído del programa a última hora.


Sinatra entra en el estudio. Su presencia es perceptible incluso antes de que nadie le haya visto. Así lo describe Ray Gilbert: "Sentí detrás de mí algo parecido a una onda de choque, no es que alguien hubiera abierto la puerta, porque ya estaba abierta. Simplemente sabía que Sinatra había entrado en la habitación. Él tenía ese tipo de presencia que la gente encuentra difícil de creer..."

Sinatra viste un traje gris. Una elegancia imponente, como siempre. Se acerca al micrófono y se afloja la corbata. A las 20 horas el director Claus Ogerman se encontraba dispuesto ante una orquesta integrada por algunos de los mejores músicos disponibles en Los Angeles. Entre los flautistas, una sección tan importante en los arreglos de bossa nova, nada menos que figuras de la talla de Buddy Collette o Bud Shank. Al piano Bill Miller un viejo acompañante de La Voz y en la rítmica Collin Bailey compartiría atril con Dom Um Romao, recien llegado de Chicago.

La sesión comienza con el estandard Baubles, Bangles And Beads. Después de la primera toma, se advierte a Jobim que debe cantar más alto. Su voz casi no se escucha. Desde luego Jobim no es un gran vocalista y además encuentra complicado cantar y tocar la guitarra a un tiempo. Sinatra le disculpa ante el productor con una broma: "Debeís saber que Tommy (así llamaba a Jobim por aquellos tiempos) no comenzó su carrera cantando para las multitudes en Polo Grounds..."


Sin embargo en otros momentos de la grabación se ha de recordar a los músicos que ésta no es una grabación cualquiera. Es necesario tocar lo más bajo posible "Esto no es Ring-a-ding-ding..." indica Sinatra a los músicos queriendo decir que ésta no es la típica sesión de swing a la que pueden estar acostumbrados en los estudios de Los Angeles. El propio Sinatra dice: No había cantado tan bajo desde que tuve laringitis... Éstas son las exigencias de la música de Jobim a las que Sinatra se pliega sin rechistar, porque intuye que el éxito de la grabación reside en el pleno respecto a la esencia de la música del maestro brasileño.  

La sesión sigue con el clásico de Cole Porter I Concentrate On You, a ritmo de bossa nova. Jobim bromea: Esta es la canción más bonita que he compuesto. Sinatra rie y el ambiente se relaja. Sinatra recuerda cuantas veces ha cantado esa canción y como adora su melodía. La grabación se detiene por un momento cuando llega al estudio Mia Farrow, la nueva esposa de Sinatra, con su madre, la también actriz Maureen O´Sullivan.


Después llega el primer tema de Jobim: Dindi. Una hermosa canción que Sinatra interpreta con los ojos cerrados. El co-productor Ray Gilbert ha escrito la letra inglesa de esa bella melodía, una de las favoritas del público norteamericano, que Jobim compuso para la cantante brasileña Silvinha Telles, gran amiga del compositor y que ha fallecido apenas un mes antes de la sesión con Sinatra. Un momento muy emocionante para Jobim y para los brasileños presentes en el estudio. 


Tras un descanso, llega Change Partners, otro clásico del songbook modernizado con los evocadores ritmos brasileños. Con este tema acaba la primera sesión de grabación.

Durante las dos noches siguientes se graban el resto de los temas programados: Quiet Nights (Corcovado), Meditation, If You Never Come To Me, How Insensitive (Insensatez), Once I Love y, por supuesto la ya célebre Garota de Ipanema (Girl From Ipanema), el gran hit del álbum Getz-Gilberto, con letra inglesa de Norman Gimbel que en aquel álbum fueron cantadas por Astrud Gilberto.

Finalizadas las grabaciones Sinatra invita a todo el equipo a una cena. La magnética personalidad de Sinatra se proyecta en todos los aspectos de su vida. Ahora tocan las bromas y las risas. El mundo gira a su alrededor. Es el mundo de Sinatra, los demás solo viven en él...


Reprise publica el disco con el nombre Francis Albert Sinatra - Antonio Carlos Jobim. El nombre compuesto del brasileño, obliga a Sinatra a recurrir, por vez primera en su carrera, a su segundo nombre. No iba a ser menos que Jobim.


El álbum vende muy bien y alcanza un respetable puesto 19º en las listas de éxitos. No está nada mal, habida cuenta de que para Sinatra, el Nº 1 en el hit parade, pertenece al pasado. No hay que olvidar que ésta es una época complicada para el cantante. El rock copa las listas de éxitos y el tiempo en las emisoras de radio. Sinatra trata de mantenerse a flote, incorporando a su repertorio los nuevos éxitos del pop y del rock, que los jóvenes prefieren escuchar de sus autores y no de un hombre que podría ser su padre. No obstante con sus últimos discos, That´s Life, Sinatra at the Sands o Strangers in the Night, todos de 1966, Sinatra consigue permanecer exitoso en la era de The Beatles y del advenimiento del rock. Pero los tiempos están cambiando y el futuro del crooner clásico es incierto. Sinatra está condenado a dejar de ser un cantante de moda, para consagrarse como un clásico, pero a estas alturas todavía no está preparado para aceptarlo. Por eso, su disco con Jobim, es un bienvenido éxito comercial en una época de zozobra que amenaza con hacer naufragar la carrera de este gran artista. El disco es incluso nominado en 1968 para el premio Grammy, pero finalmente lo ganan The Beatles. Los días eran así...



Público y crítica son unánimes en sus alabanzas y hay sobrados motivos para ello. Por una parte Sinatra ha sabido sumergirse en la verdadera naturaleza de la música de Jobim, sin pretender traducirla a su propio lenguaje musical. Pero también, esas encantadoras melodías, en la voz de Sinatra, cobran una nueva vida, una nueva esencia sofisticada y seductora. De alguna forma, aquella música de lejanos orígenes, queda consagrada por la autoridad de una de las más grandes personalidades musicales del siglo XX.

A finales de 1967, Sinatra invita a Jobim a uno de esos extraordinarios especiales televisivos que presenta por aquella época. La otra invitada de lujo en aquel programa es nada menos que la cantante Ella Fitgerald. Sinatra, relajado, con un cigarro en la mano. Jobim, con una guitarra. Ambos, sentados frente a frente, vestidos de smoking, en un ambiente de intimidad y complicidad, interpretan fragmentos de algunos de los temas del disco: Change Partners, Quiet Nights of Quiet Stars y  The Girl From Ipanema. Ochenta millones de espectadores son testigos del encuentro. Antonio Carlos Jobim,  ya es una celebridad en Estados Unidos.


OUTRA VEZ

Si en el año 1967, los nubarrones del rock y de una nueva generación de artistas pop comenzaban a amenazar la carrera de Sinatra, en 1969 la situación era francamente preocupante para el crooner.  Los años pasan inexorables. El abismo generacional se agranda a pasos agigantados. Da igual que Sinatra se case con una jovencísima actriz que simpatiza con movimiento hippie y con el no a la guerra. Da igual que modernice su indumentaria o cante los últimos éxitos del pop o del rock. Su álbum para Reprise The World We Knew de 1967, confirma la tendencia. Alcanza el número 30 en la lista de éxitos y se salva por el single Something Stupid, grabado con su hija Nancy, curiosamente la misma noche en la concluyen las sesiones de grabación de su anterior encuentro con Jobim.


Así que, Sinatra y los ejecutivos de Reprise, piensan en reeditar el éxito del primer encuentro con el compositor brasileño, grabando un segundo álbum que en esta ocasión se titularía simplemente, "Sinatra-Jobim".

Para el compositor brasileño, todo son buenas noticias, porque en esta ocasión, el repertorio se compondrá de diez composiciones del maestro. Entre ellas, dos clásicos: Desafinado, que había quedado descartado en el anterior encuentro y Samba de Uma Nota Só. Ambas son composiciones de Jobim con su parceiro Newton Mendonça. Un gran músico que falleció demasiado pronto para poder disfrutar del éxito de aquellas seminales composiciones.

También se interpretará otro clásico de las primeras grabaciones de Jobim, aunque menos conocido para el público norteamericano, Agua de Beber, Water To Drink en la adaptación inglesa de Norman Gimbel. Otro tema, Por Causa de Voce (Don´t Ever Go Away), pertenece a una época inmediatamente anterior a la bossa nova. Un samba-cançao que Jobim compuso para la diva brasileña Dolores Duran. Pero además, para esta nueva cita, Jobim trae algunas nuevas melodías: Wave, Triste, Bonita, Song of The Sabia... Son melodías que reflejan la evolución que la música de Jobim está experimentado desde la pura bossa nova, representada en su primer disco, hacia una música más compleja y ecléctica en cuanto a su inspiración y sus influencias. Una música que, como pronto se pondría de manifiesto, representará un reto para Sinatra.

En cuanto al arreglista, en esta ocasión Jobim propone al joven compositor brasileño Eumir Deodato. Es posible que alguien pudiera pensar que aquel inexperto  pianista y compositor de 26 años, no era la elección ideal para grabar un album en Hollywood con el mismísimo Frank Sinatra, pero lo bien cierto es que pocos conocen mejor la música de Jobim. En el año 1964, Deodato había grabado para la discográfica de Roberto Quartin, el álbum "Inútil Paisagem", dedicado a la música del maestro carioca. El propio Jobim escribió en las liner notes del álbum "Dios mío, cuantas cosas ha dado Dios a Deodato..." Jobim adora las partituras de Deodato y por ello fue también su elección para los arreglos de los discos Tide y  Stone Flower, que pronto grabaría Jobim  para la discográfica CTI, de Creed Taylor.


Para los preparativos del álbum, en esta ocasión, Sinatra otorga a Jobim el tratamiento de un amigo. Le invita a instalarse en su casa de Palm Springs el refugio californiano del cantante por el que han pasado todos los grandes artistas del cine y la música estadounidense de la época, así como personalidades de la cultura y la política de su país, entre otros, el propio John Fitzgerald Kennedy, antes de convertirse en presidente, desde luego.


Durante aquellos días, Jobim intenta, sin éxito, ensayar las canciones programadas para el disco, pero Sinatra esta cumpliendo uno de sus frecuentes contratos en Las Vegas, así que vuela a todas las noches al desierto de Nevada y se lleva con él a Jobim. Días fascinantes para el compositor brasileño. Copas, fiestas y charlas hasta altas horas de la madrugada. Sinatra es un impenitente bebedor de whisky Jack Daniels, que considera un "elixir de dioses" Sin embargo,  Jobim lo considera un brebaje. Él prefiere el whisky escocés. En cualquier caso, ambos lo consumen en grandes cantidades.




DE NUEVO EN EL ESTUDIO

11 de febrero de 1969. El mismo estudio, el mismo productor. Bill Miller de nuevo al piano. Otros tres días de grabación. Sinatra ha ensayado con su pianista, pero se siente inseguro. Algunas melodías son complicadas, impredecibles. Menos naturales y sencillas que la otra vez. El productor Sony Burke, le sugiere grabar en overdub, con la orquesta pregrabada. Ni pensarlo. Sinatra quiere sentir la orquesta, interactuar con los músicos durante la grabación. Plantarse de pie ante la banda y percibir en su cuerpo su fuerza, su impulso, como siempre ha hecho. Se busca otra solución. Durante la grabación Sinatra llevará  un auricular y Deodato, al piano, desde otro estudio cercano, le guiará con algunas notas y acordes.

Las sesiones se prolongan durante otros tres días, apenas nueve horas y finalmente el álbum esta finalizado y dispuesto para su publicación. Todo ha terminado, pero Sinatra no es tan optimista como la vez anterior sobre el resultado de la grabacion. El propio Jobim piensa que las cosas podrían haber salido mejor.


Antes de que el LP salga al mercado, Reprise comienza la distribución de las cintas de 8 pistas que acaban de llegar de Japón. Sinatra recibe los primeros ejemplares. 


La propia portada del disco es un sinsentido. Una fotografía de Sinatra ante un autobús de la compañía Greyhound. Probablemente los diseñadores gráficos pensaron que quedaba moderno, pero nada tiene que ver con la música y con el concepto de la grabación. El cantante llama a Reprise y da una orden contundente: Retirad el álbum. La decisión es inapelable. Definitivamente, para Sinatra, aquello no funciona. Especialmente tres de las canciones no dan la talla: Off Key (Desafinado) que canta a dúo con Jobim, da la impresión de ser un diálogo amoroso entre ambos. Bonita es otra de las canciones que no agradan a Sinatra, aunque es una bellísima melodía. Dicen que Jobim la compuso para Candice Bergen cuando algunos años antes mantuvo un fugaz romance con la actriz, o al menos se enamoró de ella. Y luego está The Song Of The Sabia. Esta canción parece maldita. La ha compuesto Jobim con su joven parceiro Chico Buarque. Después de ganar el III  Festival de la Canción de Brasil,  es abucheada por el público que asiste al evento, y que exige el premio para la canción presentada por el cantante Geraldo Vandré, de contenido reivindicativo frente a la dictadura militar que desde hace años, padece el país latinoamericano.  Pero Sinatra aclara a Jobim, que el problema no son las canciones, son hermosas sin duda, el problema es la versión grabada por ellos. Algo no ha funcionado y ya nada se puede hacer.

Así que las cintas se retiran de los estantes de las tiendas de discos. El que ha conseguido comprar un ejemplar tiene un tesoro que hoy se cotiza a miles de dólares. El LP nunca llega a  publicarse y las cintas van a parar a algún almacén de Reprise Records.



Pero en el año 1971, cuando la carrera de Sinatra se encuentra en un momento crítico, cuando sus nuevas grabaciones apenas venden algunos miles de ejemplares, se rescatan aquellas cintas ya medio olvidadas, para el álbum Sinatra & Company. Por supuesto, los tres temas malditos, quedan descartados, pero los otros siete temas, se publican en un disco híbrido en cuya cara A, se incluyen los temas brasileños y en el lado B, una serie de intrascendentes temas pop, arreglados por Don Costa. Tan extraño concepto no puede funcionar bien, pero, a la postre ha permitido durante muchos años disfrutar parte de la obra grabada en aquella segunda sesión. Por desgracia, tres canciones, quedan olvidadas. Aquel mismo año, Sinatra se retira de los escenarios, aunque por poco tiempo...


No fue hasta el año 1979 que el productor brasileño Roberto Quartin, publicó un doble LP, Sinatra-Jobim Sessions, sólo distribuido en Brasil que incluía la totalidad de los temas, a excepción de Desafinado y, por otra parte, incluía algunos otros temas que nada tenían que ver con aquellas sesiones. 


En 1998, Reprise publicó en formato compact disc, la integral de las grabaciones de estudio de Sinatra para la discográfica, en el que se incluyen, por vez primera. la totalidad de aquellas grabaciones. 



Finalmente Concord Records, en el año 2010, publicó el álbum Francis Albert Sinatra-Antonio Carlos Jobim The Complete Reprise Recordings, con la totalidad de aquellas grabaciones. Al final, una de las obras maestras de la música del siglo XX, se encuentra disponible para los oyentes del siglo XXI.

EPILOGO

Sinatra y Jobim no vuelven a coincidir en el escenario ni en un estudio de grabación, pero a pesar de todo siempre se consideraron amigos y se recordaron mutuamente con cariño, respeto y admiración. No obstante, no faltaron algunos roces. En el año 1980, Sinatra actúa en el Estadio Maracaná de Rio de Janeiro. 170.000 personas asisten a aquel histórico evento. 


Pero Jobim rechaza la oferta de actuar al lado de Sinatra y se retira a su casa de campo de Poço Fundo. El equipo de Sinatra pretende que Jobim actue sin cobrar, pero lo que realmente duele al maestro es que Sinatra no le haya invitado personalmente. Pero aquellas nubes se despejan y siguen siendo amigos a lo largo de los años. En 1984, Jobim viaja a Nueva York para tocar con su Banda Nova. Sinatra, por su parte, actúa en el Carnegie Hall y a pesar de que las entradas están agotadas, invita a toda la familia de Jobim. Durante el concierto, un foco ilumina el rostro de Jobim y Sinatra lo presenta diciendo: Me siento feliz por la presencia entre nosotros del mejor compositor del mundo, Antonio Carlos Jobim.


Finalmente en el año 1994, Sinatra pone el definitivo broche a su carrera discográfica con la segunda parte del álbum Duets, nuevamente para Capitol Records, la discográfica con la que Sinatra ha cosechado tantos éxitos en la década de los '50. 


Para aquella grabación final,  Antonio Carlos Jobim, pocos meses antes de su muerte, accede a grabar el tema Fly Me To The Moon, uno de los grandes éxitos de Sinatra de finales de la década de los '60. Pero no coinciden en el estudio, porque por vez primera, en estos discos, Sinatra canta en overdub. Jobim graba su parte en Rio de Janeiro,  cuando Sinatra ya ha registrado la suya en Hollywood. Por cierto, tampoco Jobim recibe un dolar por aquella intervención. A la muerte de Jobim en diciembre de 1994, Sinatra declara emocionado: Mis experiencias musicales con él fueron tan gratificante y creativas como las horas y horas que pasamos hablando y meditando durante toda la noche. El mundo ha perdido a uno de sus músicos más talentosos e innovadores, y yo he perdido un gran amigo.



viernes, 3 de junio de 2016

JAZZ NO END VIDEOS: DON MENZA - VOYAGE


Jazz No End al eterno rescate de los olvidados del universo jazzístico. Don Menza un saxofonista formidable. Un músico tan brillante como subestimado, arropado por SWR Big Band, interpreta Voyage, ese clásico inmortal de Kenny Barron, para siempre asociado al tenor Stan Getz. Jazz moderno, sofisticado y vibrante. Una experiencia emocionante que nos recuerda que buena parte del mejor jazz es todavía  un tesoro escondido y desconocido para la mayoría...


martes, 31 de mayo de 2016

TILL BRÖNNER EN JAZZNOEND VIDEOS


Siempre abnegados en nuestro empeño de ofreceros el mejor jazz de la red, hemos publicado en nuestro canal de Youtube un nuevo vídeo del trompetista alemán Till Brönner, una magnífico músico cuyos proyectos siempre navegan entre el jazz más o menos ortodoxo, la fusión y la música pop, con un resultado que siempre ofrece, calidad, frescura y originalidad. No te pierdas esta formidable versión del tema de Freddie Hubbard, Little Sunflower...


domingo, 29 de mayo de 2016

RADIO JAZZNOEND. TOOTS THIELEMANS: UN CORAZÓN BRASILEÑO


En nuestro nuevo podcast, Radio Jazznoend, rinde homenaje al armonicista belga Toots Thielemans, un entrañable músico cuyo principal mérito ha sido introducir la armónica en el ámbito del jazz moderno a unos níveles de técnica y creatividad, que rivalizan con los de cualquier otro instrumento de viento. 


Nuestro viaje se limitará en esta ocasión a un aspecto muy concreto de su obra, como son las interpretaciones de temas de la música popular brasileña, un estilo profusamente explorado y especialmente querido para nuestro protagonista y en el que el sonido sofisticado y melancólico de su armónica se ha impuesto como un estandard.